Naturaleza Corpórea

Lo bueno dura poco y es que para poder disfrutar de las 30 instantáneas de Silvia Serena apenas tendrás que pensártelo.

Hasta el Domingo 7 de Septiembre la extensión Avam de Matadero recoge la colección de esta fotógrafa que te transportará en el momento a esos sitios escondidos en la mente de uno y que pocas personas pueden deshacerlos en palabras, mucho menos, decomponerlos en imágenes.

Silvia hace un recorrido naturalista aproximándose a nuestra realidad, la occidental del s.XXI. Urbanismo, relaciones, recuerdos, decisiones. Todo un espectáculo metafórico o como bien lo titula ella, «Naturaleza Corpórea».

Y desde aquí felicitarla por su trabajo. Tal vez pronto, fuente de inspiración.

Pissarro. Un pintor tranquilo.

Hasta el 15 de Septiembre, el museo Thyssen acoge en su exposición temporal cerca de 80 obras de Pisarro. Se encuentran ordenadas cronológicamente y por tanto, geolocalizadas en los exteriores de las ciudades en las que residió. Todas las obras se caracterizan por su ausencia de narración, siendo así puramente contemplativas. Ahora bien, su afán por plasmar la vida del campo y de darle un valor añadido a esa recompensa natural de laborar el terreno adquiere un matiz tierno, aburrido, pero tierno. La exposición queda dividida en las siguientes salas:

• Antes del impresionismo. Época en la que conoció a Monet y a Cezànne.

La Varenne de St. Hilaire. 1863.

• Louveciennes – Londres – Louveciennes.

Obra que apunta a un impresionismo más avanzado, rozando la abstracción en algunos detalles.

Dulwich College, London. 1871.

• Retorno a Pontoise.

Sente de la Raviniere, Osny. 1883.

• Los Campos de Éragny.

Manzanos de Eragny. 1892.

• En las ciudades.

Rue Saint – honoré por la tarde. 1897.

Deliciosa obra que consigue hacernos sentir el asfalto aún mojado por una de las múltiples lluvias que acoge París. Se observa una multitud de transeúntes, de oscuro con sus paraguas. Una vista desde la distancia, nada que ver con la cercanía de sus vistas del campo, haciéndonos ver en este contraste la amabilidad que le inspiraba. ** Puntillismo: Paul Signac influenció a Pisarro como a otros muchos impresionistas en una parte de su periodo. En esta obra, vemos cmomo dentro de la técnica se sigue aferrándo al concepto de trabajo, evolución e industria.

L’Île Lacroix. Efecto de Niebla.

Con problemas de visión y una carrera bajo la sombra de su amigo Monet, fue en Paris al poco de autorretratarse donde Camille Pisaarro falleció con 73 años de edad, dejando para siempre con nosotros todo lo que sus manos hicieron a través de su mirada tranquila.

El Paisajista Martín Rico

MARTÍN RICO (1833 – 1908)

Exposición temporal en el Museo del Prado hasta el 10 de Febrero

Preciosa. Este es el adjetivo perfecto para la pequeña colección de nuestro paisajista español, que actualmente se encuentra expuesta en el Museo del Prado a la par que la promocionada Van Dyck.

Un artista que para algunos ha pasado desapercibido por lo dispersas que se encuentran sus obras, muy cotizadas en su tiempo y ahora propiedad privada de numerosos coleccionistas. Sin embargo, las piezas reunidas forman la clara trayectoria del artista.

Inicios en España: Alumno de la escuela de Bellas Artes de San Fernando, se declinó por la naturaleza y su luz. En esta primera etapa ya podemos ver la delicadeza y precisión de sus reflejos en el agua, protagonistas de sus paisajes. Gracias a ellos, obtendrá una beca con la que parte al extranjero. Increíble el dominio de la paleta verde que diferencia uno a uno, la tipología natural de la que esta enamorado.

Vista de la Casa de Campo. Matín Rico. 1861. Óleo sobre lienzo, 70 x 100 cm.

Europa: Acercándose más y más al realismo, pasea por Londres, Francia y Suiza donde conoce a Camille Pissarro. Fundamental su regreso a España, donde trabaja con Mariano Fortuny en Granada. Protagonistas de este momento: la luz, monumentos. Preciosismo en estado puro.

Patio de la escuela, Granada, 1871 Óleo sobre lienzo, 34 x 60,5 cm

Último periodo: su ciudad destino para el final de su carrera fue Venecia. El mar y sus reflejos, los colores y monumentos. Rico encuentra en este pequeño rincón de Italia un lugar de deleite natural donde explotará todo aquello que ya conoce. En esta etapa, podemos ver como explora cielo y mar demostrando su dominio del color y de la atmósfera, haciendo del horizonte terrenal una fina linea que separa ambos espacios.

Venecia. Matín Rico. 1873-74. Óleo sobre lienzo, 57,2 x 102,2 cm.

En el largometraje El Artista y La Modelo hay una escena en la que Jean Rochefort le explica a Aída Folch un pequeño dibujo hecho a mano, rápidamente. Para él, una pequeña obra maestra porque solo en unas líneas a carboncillo intuyes el sentimiento, la historia de cada personaje. Esto mismo pasa con Martín Rico. Sus paisajes se humanizan con la presencia contante de una o dos personas que por muy pequeñas que sean en el cuadro sabes si ríen, si están cansadas de trabajar o si están ensimismadas en sus propios pensamientos. En otras palabras, el sello que define a un gran artista.

Una exposición simplemente imprescindible.

 

¿Y tú estuviste? ¿Qué te pareció?

La Isla del Tesoro (E.V.)

Arte Británico entre los siglos XV y XX

Estudiada selección de 180 piezas de pintura y escultura (además de fotografías, revistas y libros) que juntas abarcan cinco siglos de historia británica. El título de la exposición hace una referencia metafórica a todas las valiosas obras que se conservan y que la isla posee, a modo de preciado tesoro.

Puede interpretarse como una muestra de arte nacional, pero lejos de ello, la exposición recoge obras tanto de artistas británicos como de los numerosos extranjeros que reconocieron a la isla como su hogar durante un tiempo, y la influencia de este país en su arte es notablemente visible.

La exposición se divide en 7 áreas:

Destrucción y reforma (1520 – 1620): pintura isabelina, pan de oro, restos de figuras religiosas rescatadas de la brutalidad de la reforma. Artistas destacados: Hans Holbein el joven, Marcus Gheeraerts, Nicholas Hilliard e Isaac Oliver.

British Art between  centuries XV and XX

Studied selection of 180 pieces of painting and sculture (in addition to pfotography, magazines and books) that toghether they cover five centuries of British history. The title of the exhibition makes a metaphorical reference to all the valuable works are kept and that the island has, as a precious tresaure.

It can be interpreted as a sign of national art, but far from it, the exhibition collects as works of Brisitsh artist as foreigners who recognized the island as their home during a period, and the influence of this country in their art is apparently visible. 

The exhibition is divided in 7 areas: 

Destruction and reform (1520 – 1620): Elisabeth painting, gold leaf, rescued religious statues of the brutallity of the reform. Featured artist: Hans Holbein the younger, Marcus Gheeraerts, Nicholas Hilliard and Isaac Oliver.

Catherine Carey, Countess of Nottingham (Robert Peake el Viejo, c. 1597)

Revolución y Barroco (1620 – 1720): Repasa la pintura cortesana en los reinados, retratos de élite dejando a un lado la solemnidad del periodo anterior. Artistas: Anthony van Dyck, Peter Lely, Godfrey Kneller, James Thornhill y Jan Siberechts.

Revolution and Baroque ( 1620 – 1720): reviews the courtesan painting at the reigns, portraits of the high class leaving aside the solemnity of the previous period. Artists: Anthony van Dyck, Peter Lely, Godfrey Kneller, James Thornhill and Jan Siberechts.

Anthony Van Dyck

Sociedad y Sátira (1720 – 1800): En esta sección observamos de cerca escenas cotidianas, donde las piezas recogen cierta ironía. Hay un apartado especial donde podemos ver ilustraciones donde se narran momentos de calle, explícitos, mundanos, propios de las de las columnas satíricas que recogen los periódicos de hoy. Grandes precursores. Artistas: Joshua Reynolds, Thomas Gainsborough, Thomas Lawrence, James Gillray y Thomas Rowlandson.

Society and satire (1720-1800): In this section we can observe daily scenes, where the pieces have some irony. There is a special section where you can see illustrations which tell moments of street, explicit, worldly, own of the satirical columns that there are in newspapers nowadays. Great precursors. Artists: Joshua Reynolds, Thomas Gainsborough, Thomas Lawrence, James Gillray and Thomas Rowlandson.

Vauxhall Gardens, Joshua Reynolds

Drunk Society, Mortimer

Paisajes de la mente (1760 – 1850): paisajes suaves, inmensos, realistas y poco certeros. En esta parte de la exposición se cruzan estilos y elementos propios de una misma época. Muy distintos, muy intensos. Artistas: John Constable, George Stubbs, Turner, James Barry, Joseph Wright , William Blake y John Frederick Lewis, David Roberts.

Especial detalle al movimiento prerrafaelita, tan difícil de detectar al dedicar su tendencia a algo propio de siglos anteriores. Artistas: John Everett Millais y William Holman Hunt.

Landscapes of the mind (1760-1850): soft, huge, realistic and little accurate landscapes. Styles and elements of a same time intersect in this part of the exhibition. Very different, very intense. Artists: John Constable, George Stubbs, Turner, James Barry, Joseph Wright, William Blake and John Frederick Lewis, David Roberts.

Special detail to the pre-Raphaelite movement, so difficult to detect by dedicating its tendency to something own of previous centuries. Artists: John Everett Millais and William Holman Hunt.

Joshua Commanding the Sun to Stand Still upon Gibeon, 1848 John Martin

Proserpine, 1878 Dante Gabriel Rossetti

Realismo y reacción (1850-1900): Mi sección preferida. Rozando la perfección de la instantánea en ocasiones, en otras, pequeños precursores del Impresionismo como la deliciosa obra de James Abbott, la cual no pude evitar llevarme en formato lámina a mi casa :). Artistas: Dante Gabriel Rossetti, Edward Coley Burne-Jones, Frederic Leighton y esculturas de George Frederic Watts y Alfred Gilbert.

Realism and reaction (1850-1900): My favorite section. Brushing the perfection of the photo on occasions, in other ones, small precursors of Impressionism as the delicious work of James Abbott, which I couldn’t avoid to take it on a sheet format to my house :). Artists: Dante Gabriel Rossetti, Edward Coley Burne-Jones, Frederic Leighton and sculptures by George Frederic Watts and Alfred Gilbert.

Nocturne: Blue and Silver – Cremome Lights 1872 James Abbott McNeil Whistler

My first sermon, my second sermon. 1863 Sir John Everett Millais.

Modernidad y tradición (1900-1940): Rompiendo con las pautas por la aparición de la fotografía, se inician en los ismos a través de escenas tradicionales, bélicas en este caso, propias de la guerra de la primera mitad del s XIX. Artistas: Walter Richard Sckert, Henry Lamb o Spencer Gore, Wyndham Lewis, Duncan Grant, David Bomberg, Edward Wadsworth, Paul Nash o Edward Burra, Henri Gaudier-Brzeska y Henry Moore.

Modernity and tradition (1900-1940): Breaking with the guidelines by the beggins of the photography, are initiated in the -isms through traditional, war scenes in this case, characteristic of the war in the first half of the XIX century. Artists: Walter Richard Sckert, Henry Lamb or Spencer Gore, Wyndham Lewis, Duncan Grant, David Bomberg, Edward Wadsworth, Paul Nash or Edward Burra, Henri Gaudier-Brzeska and Henry Moore.

Meredith Frampton

Un Mundo Feliz (1945 – 1980): Maestros de la segunda mitad del siglo XX te envuelven en este último espacio dedicado a una gran variedad de movimientos modernos incluidos el Pop Art. Artistas: Óleos de Lucian Freud, R.B. Kitaj o Frank Auerbach, esculturas de Barbara Hepworth, Reg Butler o Anthony Caro. En este espacio final brillan los autorretratos de Francis Bacon y las pinturas L.S. Lowry.

A Happy World (1945-1980): Masters of the second half of the 20th century wrapped you in this last space dedicated to a variety of modern movements including Pop art. Artists: Oil paintings by Lucian Freud, R.B. Kitaj or Frank Auerbach, sculptures by Barbara Hepworth, Reg Butler or Anthony Caro. In this final space shine self-portraits of Francis Bacon and L.S. Lowry paintings.

Portrait of Nick Wilder, 1966. David Hockney

Aquí os dejo un exquisito ejemplo, un simple 1% de las obras que recoge la Fundación Juan March. Tuve la suerte de ser guiada por un gran historiador y un gran amigo, el cual me ayudo a cruzar de siglo en siglo sin perder detalle. Observando que el arte y la historia son una pareja de amantes románticos, donde el uno no puede vivir sin el otro.

Here you are an exquisite example, a simple 1% works that collects the Juan March Foundation. I was fortunate to be guided by a great historian and a great friend who helped me to cross from century to century without losing detail. Observing that art and history are a pair of romantic lovers, where they cannot live without each other.

Fundación Juan March Juan March Foundation

5 de Octubre – 20 de Enero 5th of October – 20th of January

Castelló, 77 28006 Madrid

Horario: L-S de 11h a 20h (M-S), D 10h a 14h (Sundays)

Entrada gratuita Free pass

Antonio Lopez

Lugar: Museo Thyssen. Metro Banco de España.
Precio: Normal 10Euros. Reducida 7 Euros. Parados, indignados, gratis.
Horarios: Martes a Sábado de 10h a 23h. (22h útlimo pase).

Tuve el placer de poder ir a ver la retrospectiva de Antonio López en el Museo Thyssen. En esta ocasión la galería queda repartida entre las dos alas que el museo dedica a exposicionestemporales. Aproximadamente una hora y media de recorrido que nos desvela poco a poco los secretos de este gran artista. Divididos quedan en bloques, perfectamente distribuidos, por orden a mi parecer, de importancia, interés y detalle.

Decir brevemente para contextualizaros en la siguiente crítica, que Antonio Lopez nació en 1936 en Tomelloso (Ciudad Real). Su vocación temprana le llevó a Madrid a estudiar bellas artes, y a Italia donde cayó bajo la influencia del Renacimiento. Se casó con María Moreno y con ella tuvo dos hijas, María y Carmen.

Ahora si, reorganizando los bloques temáticos que el Thyssen me planteó, aquí presento mis percepciones sobre la misma.

A caballo entre Madrid y Tomelloso

Antonio López, es sinónimo de Madrid, de amor y sentimiento por la capital española. Seguro que al menos una vez en la vida, alguien ha visto una de sus queridas Gran Vía. Solo alguien enamorado, como un romántico de la época, es capaz de memorizar cada detalle, de plasmar cada grieta y ventana como si de una fotografía se tratase. En su obra se ve dedicación y detalle, debido al amor que este artista profesa por mi querido Madrid.

Así mismo Antonio López, nacido en Tomelloso, nos deleita con esa misma pasión los entresijos de su huerto, de esos membrillos y calabazas. Un hombre que dividió su alma entre dos lugares muy dispares y a los que les dedicó su vida, para que un día como otro cualquiera, yo como otro cualquiera, pudiera entenderle o al menos disfrutar como si mis propios ojos fueran los que estuvieran observando cada detalle para empezar a pintar un lienzo en blanco.

La agonía de lo imperfecto

Fotografías, leí de él antes de acudir a la exposición: “Sus pinturas, parecen fotografías”. Yo digo… “ver para creer”. Sencillamente, aún estando allí delante es difícil de comprender como una personaes capaz de ver y proyectar en una hoja en blanco cada detalle minúsculo, con un lápiz… No es algohumano. Una capacidad divina, o excesivamente extraordinaria. Desde luego, con estas obras, he descubierto a mi superhéroe del dibujo.

En este bloque, he de exponer, su faceta de escultor. Yo, vecina del municipio de Coslada, donde se encuentra la réplica de su “busto de mujer”, me impresionó ver como hizo el original. Sus bocetos, con cada medida y cada paso, quedan expuestos en una sala como si cuadros se tratasen. Lo bonito y místico de una obra, como es poder ver la magia y el empeño que hay detrás, su historia. Y gracias a esta exposición podemos ver cómo iba a ver sido, como fue y como es la “Mujer de Coslada” (una estatua muy atrevida que para mí es preciosa, de noche y de perfil).

 

Al hilo de esta perfección, apuntar la impresión que sentí al ver las esculturas de sí mismo y su mujer, tan reales, que no las podía mirar a los ojos pensando que iban a pestañear… Todo un espectáculo.

Tiempo al tiempo

 

Obsesionado con el tiempo, diría que este es el único protagonista común de todas sus obras. Momentos, mismos lugares a diferentes horas, presencia de relojes, de cosas que perecen como la comida, de cosas que duran como las viejas reliquias… Y por encima de todo, obras inacabadas, sobre las cuales el mismo nunca ve el fin. Obras empezadas y terminadas, o no, 30 años después, y digo que no, porque Antonio López aunque «termine» y comercie con una obra, la reclamará para acabarla o perfeccionarla si así lo presiente.

Simplemente asombroso, sentir el cariño, el tiempo que le dedica a una misma obra con tal de acabarla y darle el justo trato que merezca, con la finalidad de transmitir una realidad pura.

 

Obsesión por lo inerte

 

Curioso es ver el gusto que Antonio López siente por lo inerte, por el paso del tiempo sobre las cosas sin vida, que sin enterarse cambian, envejecen, y pasan cada vez más desapercibidas. Su obra podría definirse como una oda a estos objetos que sin alma y sin voz, cuentan historias. Quizá así, la historia de un viejo aparador sea ahora tan intensa, como la historia de un viejo cuadro de un viejo aparador. Quizá solo gracias a él como a otras personas que dedican parte de su vida estos pequeños detalles, descubramos que todo merece un cuidado y un aprecio, porque si no los valoramos, grandes oportunidades y experiencias pasarían por alto.

 

 

Claros protagonistas

Hablo de tiempo y hablo de edificios, calles, ausencia de vida. Sin embargo, aunque esto haya acaparado tres cuartas partes de mí atención, Antonio López dedica parte de su obra a retratos y pinturas de amigos y familiares. De este bloque, yo me quedo con el descarado protagonismo que ejerce sobre unos y otros. Ni luz, ni técnica de perspectivas o planos… simplemente una cara deformada, un trazo de pintura sin intención nos dice que sobre esa persona no debes centrar tu mirada.

Se aprecia un cierto gusto sobre el retrato femenino, siempre más detallado y cuidado, porque debemos de recordar que Antonio sabe proyectar la realidad tal cual es y si no lo hace, no es sin quererlo.